A kifürkészhetetlen Alekszandr Kitajev és az ő szentpétervári

Alexander Kitaev kiállítása a Lumiere Brothers Center for Photography-ban igazi esemény volt Budapest kulturális életében. Kitaev Szentpétervár egyik vezető fotográfusa, számos projekt szervezője és kurátora, újabban pedig fotótörténész. A Szentpétervárról készült fényképészeti felvételek történetében Ivan Bianca idejétől napjainkig vitathatatlanul helyet foglal el a VÁROS egyedi képének megalkotásával. Ez az első alkalom, hogy Kitaev fő és kedvenc témája – Szentpétervár – ilyen nagyszabású képet kap. A szerző 130 eredeti művet alkotott negyedszázad alatt.

Luna. 1995 g.

Alexander Kitaev az évek során készült interjúkból:

„Létezik olyan, hogy „multi-tasker”, vagyis olyan valaki, aki több szakmát is elsajátított. Többszörös stylist vagyok a fotózásban.

„Szakmai hitvallásom az évek során szerzett tapasztalatok alapján alakult ki: „Soha ne csináld azt, amire ma van kereslet”. A mai munkát rendnek, a szabad kreativitás elleni erőszaknak tekintem, amelynek csak a lélek belső mozdulataira kellene reagálnia.

„Egy ponton tudatosult bennem, hogy a fotográfia minden mást is magába szívott bennem, hogy a vörös és fehér vérrészecskék mellett a vérem összetételében fényérzékeny ezüsthalogenidek is vannak, és hogy állandó érzékelésük nélkül nem vagyok életképes, hogy a fotográfia életmódommá, érzékelési és kommunikációs módommá vált. Ez 1987 körül történt.”.

„A kamerának a kéz meghosszabbításává kell válnia, és fel kell szabadítania a fejet, hogy teljesen belemerülhessen a kép létrehozásába.”.

„… Szentpétervár számomra időtlen, és igyekszem személyként ábrázolni a város változatlan szellemi magját. Ellentmondásos ez a Személyiség”.

„Egy portré soha nem fog eltűnni, mert ezen a bolygón mindenki elsősorban önmagával, a javasolt vagy feltételezett körülményekkel foglalkozik. Másrészt a portrék nem alkalmasak a kortárs művészet bonyolult intellektuális és formai posztmodern játékaira. Sok művész számára most fontos, hogy a lehető leghangosabban kiáltsák: „I!!!”. És még az sem érdekli, hogy van-e visszhang. Egy portréban pedig a művész mindig a második helyen áll, a karakter az első helyen. És a portré legalábbis holnapra szól. És a portré legalább a mesterség, az iskola elsajátítását feltételezi. Mindez nem „aktuális” a kortárs művészet számára. Ezért van az, hogy ma sok művész nem foglalkozik portréval. Én az utóvédben vagyok. Számomra a „relevancia” a művészetre vonatkoztatva egy szitokszó.

Alexander Kitaev.Fotó: Stanislav Chabutkin.

Jégsodródás a Moikán. 2003 g.

– Alexander, az utóbbi években erősen visszafogtad a kiállítási tevékenységedet, és az önálló kiállításaid ritkaságszámba mentek, mintha nyaralni mennél. Milyen volt számodra ez a kiállítás??

– Volt idő, amikor évente több egyéni kiállításom is volt, nem is beszélve arról, hogy több tucat csoportos kiállításon vettem részt. Sokat fényképeztem és nyomtattam, és azt akartam, hogy az emberek lássák a munkám gyümölcsét. Most egyre többet foglalkozom a fotózás történetével és a tanítással. Egyre kevesebb idő jut a saját kiállítások szervezésére. De ha felajánlanak nekem egy kiállítást, és a feltételek elfogadhatóak, akkor beleegyezem. Ez a kiállítás több sorozatból és ciklusból áll, amelyek a múltból származó fényképeket tartalmaznak. Bizonyos mértékig mindegyik sorozat egy-egy szakasza volt az életemnek, de soha nem állították ki őket együtt. Egy kiállítás aligha tekinthető lezárásnak, inkább visszatekintésnek.

– Ön minden bizonnyal az egyik leghíresebb Magyar fotós. Élvezetes-e az ilyen népszerűség, és hogyan élsz vele??

– A „híres” kifejezés aligha vonatkozik a fotósra. Aki a lencse mögött áll, azt ritkán ismerik jobban, mint aki előtte áll. Talán a szakmám sajátossága. Nem lehet nem gondolni az építészekre? Műalkotásaik mindig a szemünk előtt vannak, mindannyian csodáljuk és élvezzük őket, de nagyon kevesen emlékeznek az arcukra vagy a művészek nevére. Így van ez a fotósokkal is: megvilágítják és megvilágítják a körülöttük lévő világot, de szinte mindig az árnyékban maradnak. Tehát csak nagyon korlátozott elismerésről beszélhetünk, azaz elismerésről egy bizonyos körön belül, akiknek a szakmai tevékenysége valamilyen módon kapcsolódik a fotográfia „fogyasztásához”.

Annak, hogy – ahogy Ön mondja – „híres” vagyok egy bizonyos körben , véleményem szerint két objektív oka van. Hosszú ideje foglalkozom fotózással, és ez idő alatt természetes generációváltás történt. És minden közösségben vagy szakmában mindig kell lennie egy tekintélyes vezetőnek. Jelenleg én vagyok az. Tehát nem a különleges tehetségemről van szó – csak az eredeti kreatív impulzust és a szerzőség érzését tartottam meg, mint egy apró láncszemet a végtelen fotográfiai körforgásban. Nos, a másik szempont szintén az idővel kapcsolatos. Nagyjából a 21. század eleje óta az új fotótechnológia megjelenése világszerte emberek milliói számára nyitotta meg a fotózás területét. Sokan szeretnének fejlődni a hobbijukban, és keresnek valakit, akitől tanulhatnak, akire felnézhetnek. Sok embernek tetszenek a képeim – ezért, a nagy számok törvénye alapján, a hírnevem.

Ami pedig a „szépet” és az „életet” illeti, nos, mint minden érmének, ennek is két oldala van. Mivel a nyilvánosság előtt állok, rengeteg képet kell néznem, a legtöbbet rosszul. És nem csak megnézni, hanem mondani is valamit róluk, magyarázni, mert az emberek tanácsért, segítségért, értékelésért jönnek hozzám. Fárasztó és unalmas a szemnek. Ugyanakkor népszerűségem lehetővé teszi számomra, hogy kevesebb erőfeszítéssel és energiával oldjak meg sok kérdést. Legyen szó akár a vevőkkel való alkudozásról, akár a tisztviselőkkel való tárgyalásról a kiállítások megszervezése érdekében.

– Hogyan képezd magad művészként?

– Sok múlik a kiindulási feltételeken: család, társadalmi kör, születési hely stb. Egyszerű családba születtem, ahogy mondani szokták. A szüleim parasztgyerekek. Az apja autószerelő lett, az anyja pedig ápolónő. Tehát a rokonaim társadalmi körének nem sok köze volt a kreativitáshoz. De megtanítottak arra, hogyan kell keményen dolgozni. Fiatalemberként a fotózáson kívül sok kézműves mesterséget tanultam. Az unalmas, mechanikus munka mindig is nem érdekelt, és minden mesterségben kitaláltam valamit, kreatív voltam… Amikor a fotózás került az életem előterébe, rájöttem, hogy a társadalmi köröm megváltoztatása nélkül korábban fémmegmunkálóként dolgoztam egy gyárban nem lennék képes művészetet, nem pedig kézművességet csinálni. Abban az időben, az 1970-es évek elején, voltak olyan fotósok, akiknek a munkája az út szélére került., Akkoriban csatlakoztam az ország egyik legjobb fotóklubjához: a Vyborg Palace of Culture klubhoz. Ez volt az első lépés. Később, amikor már kézműves fotósként dolgoztam egy gyárban, sokat és kitartóan tanultam a humanista önképzésben. Egy lépéssel tovább: 1987-ben csatlakoztam a „Mirror” fotóklubhoz, ahol akkoriban virágzott a hangulat. És aztán szerencsém volt: megismerkedtem egy figyelemre méltó művésszel és polihisztorral, Pavel Potekhinnel. Ez tette teljessé a művészeti képzésemet.

Meggyőződésem, hogy a művész cím nem lehet önmagában cím. A fotósok minden korában és minden generációjában voltak olyan fotósok, akiknek a munkája kiesett a nagyközönség kegyeiből. Kortársaim művészeknek nevezték őket, hogy megkülönböztessék őket a tömegtől. Már mondtam valahol, hogy amikor a kiállításaim megnyíltak, és hallottam a látogatóktól, hogy „Ott van, a művész”, idegesen körülnéztem, hogy lássam, kiről beszél? Kiderült, hogy rólam van szó. Nagyon ismeretlen volt. Ez a cím mostanra eléggé kompromittálódott. Számos egyetem és más felsőoktatási intézmény ugyanabban az időszakban képez művészeket, mint mérnököket és középiskolai tanárokat. És sokan, akik fényképezőgépet vettek a kezükbe, azonnal rendeltek egy névjegykártyát, amelyen az állt, hogy a tulajdonos fotós és művész. Nem akartam beállni a sorba. Van egy olyan érzésem, hogy manapság ez nem így van. A „fotóművész-művész” fogalmának nem volt több értelme, mint a „villamos utas” kifejezésnek.

– Ahhoz, hogy Szentpétervárt ilyen átütő erejű felvételeket készítsen, nagyon jól kell ismernie és éreznie. Hogyan alakult ki a városról alkotott elképzelése??

– Hogyan alakult ki?? Megpróbálok mesélni róla, de ne higgyétek, hogy ez egy tudatos, öncélú cél volt a fiatalságomban. Ez csak úgy magától történt. Mindig is sokat olvastam, és a világirodalom kincsestárába bekerült számos művet Szentpétervárról írtak nagy költők és írók. Amikor megpillantottam ezt vagy azt a szentpétervári témát – egy teret, egy utcát, egy épületet és így tovább -, meg voltam győződve arról, hogy a művész címét már ismerem. d., A szakirodalomból már tudtam róluk valamit. De mindig is többet akartam tudni: a szóban forgó személy életrajzát: kik voltak a szülei, mikor született, milyen volt a kora? Hogy kielégítsem ezt a kíváncsiságot, tanulmányoznom kellett Pétervár történelmét, és emiatt a történelmet általában; a pétervári építészet és építészet történetét általában; művészek és híres lakosok életrajzát, tehát a földrajzot is. Külön Szentpétervár ikonográfiája, és így a képzőművészet története. Itt egy egész komplexum van, nem tudok mindent felsorolni. Egy dolog biztos számomra: A város formált engem és a látásmódomat. Lehet, hogy valamiért választottam. És hálával tartozom neki. Nem tudom, hogyan történt, de sok honfitársammal ellentétben én nem megyek a barikádokra a szentpétervári innováció elleni küzdelemben. Tudom, hogy a „hely zsenije” megbirkózik mindennel, ami nem tetszik neki, a többivel pedig Isten megbirkózik. Úgy tűnik nekem, hogy már több mint háromszáz éve élek ebben a városban, és tudom, hogy semmilyen taktikai beavatkozás nem változtathatja meg a stratégiáját. A Város birtokol minket, nem mi birtokoljuk!

A városom megörökítése során soha nem gondoltam arra, hogy eladjam a képeimet, és szinte soha nem készítettem megrendelésre fényképet. Én magam mindig is vásárló voltam. A megélhetésemet és a kreativitásomat egy másfajta alkalmazott fotográfiával kerestem. Azt hiszem, hogy a képeimre is rányomta a bélyegét…

– Meg tudja nevezni a fényképeket, amelyek valóban elindította a művész Alexander Kitaev?

– Tudod, hogy különböző műfajokban dolgozom? Nos, nagyon jól emlékszem egy fotóra, amely után azt mondtam magamnak: most már lőhetsz Szentpéterváron. Vagyis rájöttem, hogy a bennem élő szentpétervári érzést sikerült egy papírlapon egy képpel megtestesítenem… Ez 1982 körül volt, több mint tíz évnyi fotózás után. Ekkor éreztem meg magamban – és a körülöttem lévők még nem látták -, hogy valami kezdett kialakulni, amit később a kritikusok „Kitajev Péterváraként” emlegettek. Más műfajokban többé-kevésbé ugyanez volt a helyzet. Kivéve, hogy amikor elkezdtem fotogrammetriával foglalkozni 1989 körül , azonnal elkezdtem valami olyasmit csinálni, ami nagyban különbözött attól, amit az elődeim ebben a műfajban csináltak.

Joseph Brodsky egyszer elmagyarázta a diákoknak, hogy a költő munkája mindig egy folyamatban lévő munka, egy válogatás, és hogy a költő egyfajta Herkules. A hőstettei a versei. Nem lehet megmondani, hogy mi Herkules egy, kettő vagy három hőstett alapján. Herkules mind a tizenkettő. Így van ez a fotográfiában: nem lehet megmondani egy felvételből, vagy a fotós léptékéből. És nem Herkules dolga, hogy a saját tetteit hőstettnek nevezze..

– Az Ön kifogástalan kompozíciós készsége veleszületett érzés, vagy kemény munka és sokéves tapasztalat eredménye??

– Egyik sem. Itt egyetértek Thomas Mann-nal: „Egy olyan képességet, amelyre belső igényed van, elég gyorsan elsajátítasz.

A fényképezés azt jelenti, hogy egy emulziót vagy mátrixot fotonokkal bombázunk. Ez a bombázás nem mindig célzott. De ezt legalább csoportosan kell tennünk. Ahhoz, hogy ne kerülj a csatornába, el kell sajátítanod a kompozíció készségét. Talán ez a készség könnyebb és gyorsabb a péterváriak számára. A Neva-delta lakóit első osztályú építészek által létrehozott, gyönyörűen harmonikus terek veszik körül, és a szentpétervári múzeumok tele vannak a képzőművészet remekműveivel, amelyek példákat kínálnak a kifogástalan kompozícióra. Mindez gyermekkorától kezdve akarva-akaratlanul táplálja a szemet. Már csak az van hátra, hogy ennek a nevelésnek a gyümölcseit felhasználjuk, és jártasságra tegyünk szert.

Fel kell hívnom a figyelmet arra, hogy az úgynevezett összetétel törvényei nem valami egyszer és mindenkorra felfedezett, tanulmányozott és kötelezően alkalmazandó, a sikert garantáló dolog. Az emberi szem egyre jobban felszerelt, és a kompozíció törvényeinek klasszikus fogalmait akkor fogalmazták meg, amikor a vizuális művészetek még gyerekcipőben jártak, amikor eszközeik még meglehetősen egyszerűek voltak. „Tónusos és lineáris perspektíva”, „ritmus”, „téma és kompozíciós központ”, „változatosság” stb. p. – Ezt még soha senki nem mondta le. A kortárs művész azonban ultraszéles látószögű vagy ultrahosszú fókuszú objektíveket használ, infravörös filmre fényképez, vagy röntgensugarakkal belelát a láthatatlanba stb. d. Mindez megtöri a tér és a téma szokásos fogalmait, arra késztetve minket, hogy kreatívan kezeljük a kompozíció szabályait, és a modern emberi látásmódhoz igazítsuk őket. Véleményem szerint a kompozíció törvényei mindig a mű tényéből fakadnak. A művész nem egy tankönyv elolvasásával, hanem azzal, hogy meghallgat valamit a magasból, tökéletes műalkotást hoz létre. Jön egy teoretikus, aki lebontja a képet, mérlegeli, megérinti, megméri, és mindent a helyére tesz. Aztán remekművek receptjeit írja.

– A tökéletességre való állandó törekvés valami lehetetlen és elérhetetlen dologra való törekvés?

– Nem, nem az! Csak a vágy, hogy a lehető legtöbbet érjük el. Van bennem egyfajta hangvilla, és amikor erre figyelek, tudom, hogy elértem-e valamit vagy sem. Ennek két aspektusa van, mint minden kreatív munkának: a technika és maga a művészet.

A technika szempontjából ez így néz ki. Tudod, hogy még mindig ezüst technológiával dolgozom? És a digitálistól eltérően nem engedi, hogy visszalépjünk. Az egész ezüst fotográfiai folyamat, a képfeldolgozás kötelezően többlépcsős és nem pillanatnyi ciklusával, egy bizonyos életritmust határoz meg. Az ezüst 35 mm-es film mindössze öt láb magas. De minden alkalommal, amikor foglalkozol vele, térdre borulsz előtte. Helyesen kell exponálni, és nem lehet „megtisztítani” a filmet, majd újra exponálni. Nem lehet fejleszteni és nem javítani, javítani és nem mosni, mosni és nem szárítani stb. d. Ez fegyelmezés. Ez arra kötelezi, kényszeríti Önt, hogy csak előre haladjon, egy ideális, tökéletes negatív felé, mert a második szakaszban egy nem kevésbé tökéletes lenyomatot, egy pozitívot kell készítenie. És rengeteg finomság, felelősség és buktató van. Íme egy példa. A természetes papíron való munkához mindig két kézre van szükség. Ezt minden grafikus tudja. A grafikonok mindig is érezték, és megtanítottak érezni a papírt, annak textúráját és sűrűségét, hosszanti és keresztirányú viselkedését. Mindig is értékelte a vele való tapintható érintkezést. És mennyire sértő volt számukra, majd számomra is, a papírmunkával való gondatlan bánásmód! Bejön egy vásárló, egy kézzel megfog egy lapot, és kész, garantáltan eltörik! Még csak nem is az ujjlenyomatokról beszélek… Azonnal láthatod: előtted egy amatőr áll, akinek a zsebe tele van keringő papírokkal.

Ez a kérdés egyik oldala. A másik, hogy a kreativitásra törekvő fotósnak folyamatosan ki kell préselnie magából a laborasszisztenst egy kicsit. Ó, hány kollégám gondolja azt, hogy egy tökéletes nyomat egy műalkotás, elfelejtve, hogy a mű nem annyira termék, mint inkább üzenet. A képalkotó technológia ma már olyan jó, hogy technikailag profi fotóképekkel vagyunk körülvéve. De ha mégis ábrázolnak valamit, akkor többnyire az alkotó meglehetősen primitív belső világát tükrözik. És nem adnak semmit az igényes néző lelkének, szívének. Itt ismét megengedem magamnak, hogy Brodszkijt idézzem: „Az egyik fő probléma, amivel egy költőnek ma szembe kell néznie – legyen az modern vagy sem -, hogy az őt megelőző költészet – más szóval az örökség – olyan hatalmas, hogy az embernek egyszerűen el kell gondolkodnia azon, hogy hozzátehet-e hozzá, módosíthatja-e az elődöket, vagy megmaradhat-e önmagának. Azt gondolni, hogy képes vagy valami minőségileg újat mondani olyan emberek után, mint Cvetajeva, Akhmatova, Auden, Paszternak, Mandelstam, Frost, Eliot.., – az, ha valaki nagyon nagyképű vagy nagyon tudatlan típus. Én az utóbbi kategóriába sorolnám magam. Amikor először kezdesz írni, nem sokat tudsz arról, hogy mi volt előtted. Csak az élet közepén szerzed meg ezt a tudást, és ez szögre akaszt vagy hipnotizál.

– A saját munkád megítélésében csak magadban bízol?

– Az elmúlt években megpróbáltam csak magamra hallgatni. A belső hangvilláról már beszéltem. Nem esel egy hullámhosszra velem, de nem is akarsz más dallamára táncolni. Nem is tudom, mi mást tehetnék még hozzá.

De nem kell mindig magadra hallgatnod. Hadd meséljek el egy történetet. Amikor egy hajógyárban dolgoztam fotósként, bosszantottak a gyártási utasítások, amelyek arra köteleztek, hogy az alkalmazott fényképekről értékes ezüst fotópapírra készítsek másolatokat. Úgy tűnt, hogy minden ilyen lapot jobban ki tudnék használni: nyomtassak rá valamilyen műalkotást vagy akár „netlennát”. Különösen bosszantó volt, amikor egy tengeralattjáró vagy felszíni hajó egyik vagy másik berendezésének elektromos sémáit terjesztették. Végül is, már létezett fénymásolási és fénymásolási technológia – gyorsabb és olcsóbb volt. Nem! A matrózok követelései megváltoztathatatlanok voltak: csak ezüstlenyomatok! Elkezdtem vizsgálódni, és kiderült, hogy agresszív környezetben csak a jó öreg ezüst technológia őrzi meg a képet, és így segít megmenteni a bajba jutott legénységet. Ha extrém helyzetekben való túlélésről van szó, hogyan is vitatkozhatnál?? Milyen művészi ambícióim vannak az emberek életéhez képest??

– Hogyan alakult a kapcsolat a kollégákkal, volt-e vágy az elismerésre..?

– Ez szakaszonként változik. Valamikor régen bizonyára fontos volt, hogy az ember elismerést szerezzen a társaitól, ha nem csaló. És ezért. A szovjet korszak történészei a forradalom előtti Magyarország fotósairól például így írtak: „Dmitrijev kreativitása a cári idők nehéz körülményei között fejlődött”. Manapság gyakran mondják, hogy ez és ez a „szovjet állam” tűrhetetlen körülményei között nőtt fel. A fotósok számára a helyzet súlyosságát súlyosbította, hogy a szovjet intézmények a fotográfiát a művészeti ágak között egyáltalán nem ismerték el. De mi fotósok másképp gondoltuk! Emellett információs vákuumban dolgoztunk, és nagyon keveset tudtunk külföldi kollégáink, elődeink és kortársaink munkáiról. Szóval leginkább egymástól kellett tanulnunk. Más szakemberek nem voltak! Ez a nemzeti fotós közösség sajátossága. Emlékszem a nyugati galériatulajdonosok, kurátorok és művészeti kritikusok beáramlására, akik a peresztrojka után özönlöttek hazánkba, hogy Magyar kollégáiktól tájékozódjanak a kortárs fotográfiáról. Meglepődtek: „Mi?? Fotó? Vannak ilyen művészek??”. Más szóval, a szovjet országban nem lehetett olyan fotóművészet, mint a szex..

Aztán jöttek más idők és más hozzáállások. Valahogy, észrevétlenül, a kollégák felismerése is eljutott hozzám. Tapasztalatból tudom, milyen nehéz megőrizni a régi barátok és ismerősök művészetének tisztaságát és megbecsülését. Távolságot akarok tartani. Kicsit olyan, mint az abszolút érték érzékelése.

Petersburg. 2005 g.

Fák. 1992 g.

Garden Street torkolat.1995 g.

Önarckép gyerekekkel. 1995 g.

Március. 2008 g.

Az elkerülő csatorna. 1995 g.

A Piccalou-híd. 2003 g.